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May 17, 2023

Was macht ein abstraktes Gemälde gut?

Frank Bowling, Passtheball, 2022. © Frank Bowling. Foto von Anna Arca. Anstand

Frank Bowling, Passtheball, 2022. © Frank Bowling. Foto von Anna Arca. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Hauser & Wirth

Vivian Springford, Ohne Titel (Tanzania-Serie), 1971. Mit freundlicher Genehmigung von Phillips.

Fragen Sie einen Kurator, Künstler oder Auktionshausspezialisten, was ein abstraktes Gemälde gut macht, und er wird mit einer anderen Frage antworten: Was zählt als abstraktes Gemälde? Zeitgenössische Maler abstrahieren oft etwas – eine Figur, eine Landschaft, ein Foto, einen kunsthistorischen Präzedenzfall, ein Gemälde oder die Leinwand selbst – und nur wenige Künstler streben heute nach völlig realistischer Wiedergabetreue. Suggestive oder gegenständliche Formen tauchen überall in Kunstwerken auf, die wir schnell als „abstrakt“ bezeichnen würden, während Gemälde, die wir eher als „figurativ“ bezeichnen würden, oft viel mehr in Anspruch nehmen als die Sache, die Szene oder die Person, die sie angeblich darstellen.

Doch die ästhetische Etikettierung kann uns helfen, einzelne Kunstpraktiken und Trends in der Kunstwelt insgesamt zu verstehen. Artsy hat beispielsweise kürzlich herausgefunden, dass abstrakte Gemälde für den Verkauf in Galerien am wichtigsten sind. Auktionshäuser gruppieren moderne und zeitgenössische Leinwände, um fruchtbare Parallelen zwischen Künstlern der Vergangenheit und Gegenwart zu ziehen. In der Zwischenzeit präsentieren Kuratoren Ausstellungen zeitgenössischer Abstraktion, um den Stand der Malerei heute zu erkunden. Maler selbst haben möglicherweise ganz andere Kriterien. Diese unterschiedlichen Interessen verleihen der Kunstwelt ihre Farbe – und stellen eine Frage wie „Was macht ein abstraktes Gemälde gut?“ sowohl unmöglich zu beantworten als auch unendlich fesselnd.

Eine neue Ausstellung in der Londoner Galerie von Gagosian mit dem Titel „To Bend the Ear of the Outer World: Conversations on Contemporary Abstract Painting“ legt nahe, dass der beste Ansatz ein offener Dialog ist. Die Ausstellung umfasst Gemälde von mehr als 40 Künstlern, die in ganz Amerika und Europa arbeiten. Kurator Gary Garrels teilte seine eigene Vorstellung von Abstraktion, die die Ausstellung durchdringt. Abstrakte Gemälde sprechen in ihren eigenen Worten, sagte er, „sie thematisieren nicht Dinge, die außerhalb des Gemäldes selbst liegen. Es gibt keine Geschichte, keine Erzählung, keine Ikone.“

Im Katalogaufsatz erklärte Garrels, dass dieser Ansatz es Künstlern ermöglicht, „die größte Vielfalt visueller Ausdrucksformen zu erkunden“. Die Abstraktion ermöglicht es ihnen, „die Subjektivität, den emotionalen Ausdruck, die dekorative Ausschmückung, komplexe Metaphern, spirituelle Verbindungen und philosophische Untersuchungen besser zu berücksichtigen. Sie verlangen, dass der Betrachter im gegenwärtigen Moment verweilt und gleichzeitig zum Träumen anregt und den Geist und die Vorstellungskraft öffnet.“

Installationsansicht von „To Bend the Ear of the Outer World – Gespräche über zeitgenössische abstrakte Malerei“ bei Gagosian, 2023. Foto von Lucy Dawkins. Mit freundlicher Genehmigung von Gagosian.

Innerhalb der Ausstellung gibt es viele Widersprüche. Vija Celmins‘ Night Sky #22 (2015–18) ist sowohl ein schwarzes Gemälde voller Punkte und Flecken als auch eine Darstellung eines sternenübersäten Nachthimmels – obwohl es hier definitiv nicht „um“ den Kosmos geht. Suzan Frecons „Persian Mare Mars“ (2022) weist riesige Mengen heller, solider Farbtöne auf, dennoch besteht die Künstlerin darauf, dass ihre Werke „voller“ Inhalt sind. Im Katalog notierte sie: „Landschaft, Architektur, Menschen und ihr Bewusstsein: Es ist alles da, aber es ist keine Abbildung.“ Um „Rainbow Waterfall #6“ (2022) zu schaffen, verließ sich Pat Steir auf die Schwerkraft und den Zufall, indem er rote, gelbe und grüne Farbe über eine orangefarbene Leinwand tropfen ließ und so die künstlerische Absicht des Werks in Frage stellte.

Was macht diese Werke und ihre Kollegen in der Ausstellung „gut“? „Ein wirklich gutes Gemälde kann nicht ohne weiteres gelöst werden“, sagte Garrels. „Es braucht Zeit. Du willst zurückkommen und es dir ansehen, es genauer betrachten. Es will deine Aufmerksamkeit.“ Ein Gemälde, das man sofort sieht und liebt, fügte er hinzu, „wahrscheinlich fehlt es an Durchhaltevermögen.“ Während Garrels glaubt, dass dies für die gesamte Malerei gilt, gilt dies insbesondere für die Abstraktion. Er plädiert auch für „Kennertum“ – je mehr man sich mit Kunst beschäftigt, desto mehr Erfahrungen hat man mit der Malerei und desto besser ist man auf Beurteilungen und Vergleiche vorbereitet.

Suzan Frecon, Perserstute Mars, 2022. © Suzan Frecon. Foto von Robert McKeever. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers David Zwirner und Gagosian.

Patrizia Koenig, Co-Leiterin des Tagesverkaufs bei Phillips New York, erklärte, dass es einfacher sei, solche Urteile über Werke zu fällen, die nicht abstrakt sind. Es sei einfacher, sagte sie, zu behaupten: „Dieses gegenständliche Gemälde ist perfekt ausgeführt.“ Sie stimmte mit Garrels darin überein, dass es sich um Kenner handelt und wie wichtig sorgfältiges Studium ist. „Für viele Menschen ist es schwieriger, sich mit der Abstraktion auseinanderzusetzen“, sagte sie. „Letztendlich geht es darum, Ihr Auge zu schulen, zu sehen, was Sie anspricht … und eine emotionale Reaktion auszulösen.“

Letztes Jahr kuratierte das Auktionshaus im Rahmen seines größeren Tagesverkaufs für Kunst des 20. Jahrhunderts und zeitgenössische Kunst, „Afternoon Session“, eine Auswahl von Gemälden mit dem Titel „Frauen in Abstraktion“. Gemälde der Koryphäe des 20. Jahrhunderts, Helen Frankenthaler, erschienen neben neueren Werken zeitgenössischer Künstler wie Lucy Bull, Michaela Yearwood-Dan und Amy Sillman. Die Preise variierten, was auf eine sehr wörtliche, alternative Bewertung der Praktiken dieser Künstler schließen lässt.

Helen Frankenthaler, Blue Dance, 1963. Mit freundlicher Genehmigung von Phillips.

Was die Frage aufwirft: Gibt es einen Zusammenhang zwischen der „Gutheit“ eines abstrakten Gemäldes und seinem Preis? Koenig hält das für die falsche Frage. „Der Sekundärmarkt spiegelt die Nachfrage wider“, sagte sie. Ein paar Faktoren – ob die Farben „kommerziell“ sind (helle Farben führen laut Koenig zu höheren Auktionsergebnissen) und ob ein Kunstwerk einem Kunstwerk ähnelt, das sich bereits in einer Museumssammlung befindet – fördern die Ausschreibung von Ausschreibungen. Bei der Beurteilung fließen vergangene Preise und Fachwissen ein: Willem de Koonings abstrakte Gemälde aus den späten 1970er-Jahren sind begehrt und erzielen hohe Preise, während seine Werke aus den späten 1950er-Jahren beispielsweise nicht so hoch geschätzt werden. Das bedeutet nicht unbedingt, dass eine Serie besser ist als eine andere. Letztendlich ist sie davon überzeugt, dass „‚gut oder nicht‘ im Auge des Betrachters liegt.“

Künstler selbst neigen dazu, unterschiedliche Fragen zu stellen. „Sie erreichen einen Punkt, an dem sie das Gefühl haben, dass das Gemälde seine Stimme und seine Identität gefunden hat“, sagte Garrels. „Sie sagen: ‚Ich kann jetzt aufhören.‘“

Mark Bradford, Cloud Across a Sunny Field, 2023. © Mark Bradford. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Hauser & Wirth.

Der Ausstellungskatalog von Gagosian beschreibt die persönlichen Ambitionen und Erfolgsmaßstäbe der Künstler. Mark Bradford, so heißt es darin, thematisiert die Beziehung zwischen seiner Arbeit und der Welt außerhalb seines Ateliers; Er glaubt, dass die Wertschätzung eines abstrakten Gemäldes die Begegnung mit bestimmten Werten, Perspektiven und Politiken bedeutet. Charline von Heyl hofft, eine „Beziehung des Jetzt“ herzustellen, dass der Betrachter „tatsächlich im Moment vor einem Gemälde steht und etwas passiert“; und Tauba Auerbach möchte, dass ihre Bilder den Betrachter mit dem Göttlichen verbinden, heißt es im Katalog.

Solchen Einschätzungen liegt ein relationaler Zugang zur Malerei zugrunde. Ein „gutes“ abstraktes Gemälde löst beim Betrachter eine besondere Reaktion aus. Doch auch hier gibt es Ausnahmen – die Künstler, deren Zielgruppe außerhalb der materiellen Welt liegt. Für die schwedische Mystikerin Hilma af Klint waren ihre Bilder „gut“, wenn sie selbst mit der Göttlichkeit kommunizierten.

Charline von Heyl, Zirkus, 2022. © Charline von Heyl. Foto von Jason Mandella. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Petzel, New York.

Tauba Auerbach, Grain – Standing Mandelbrot Quartet (Ventrella Variation), 2022. © Tauba Auerbach. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Paula Cooper Gallery, New York.

Der New Yorker Kritiker Peter Schjeldahl rezensierte af Klints Ausstellung 2018 im Guggenheim und war sofort von einem Gemälde „ergriffen“: „Nr. 3, Jugend … eine umwerfende Leistung der abstrakten Kunst, was auch immer ihre Motivation sein mag“, schrieb er. Schjeldahl beschrieb die suggestiven Formen, die Farben und den Gleichgewichtssinn des Gemäldes. „Der gesamte stilistische Effekt ist so frisch, dass das Bild heute Morgen oder morgen oder in Jahrzehnten entstanden sein könnte“, schrieb er. Dennoch kam der Autor zu dem Schluss, dass es naiv war, die anderen Gemälde außer Acht zu lassen: Af Klints Gemälde arbeiten im Einklang miteinander. Es ist ihr Gesamtprojekt, das so bemerkenswert ist.

Schjeldahls Sprache ist aussagekräftig. Der Kritiker – der einzige Mensch, dessen eigentliche Aufgabe es eigentlich ist, uns zu sagen, was gut ist und was nicht – möchte „ergriffen“ werden. Dies spiegelt Garrels‘ Idee wider, dass ein gutes abstraktes Gemälde Aufmerksamkeit erfordert, die natürlich subjektiv ist. Tatsächlich antwortete der Kritiker Jerry Saltz auf die Frage dieser Schlagzeile am knappsten. Er antwortete: „Ich neige dazu zu sagen, dass das, was ein abstraktes Gemälde gut macht, das ist, was jedes Gemälde gut macht: Wenn es mir gefällt.“

Garrels lehnt solche klaren Schlussfolgerungen ab. „Es liegt in der Natur der abstrakten Malerei, dass man nie zu einem vollständig gelösten Verständnis gelangt“, sagte er. „Das ist ein Teil der Aufregung. Es bleibt offen. Es gibt keine endgültige Lösung für ein gutes Gemälde.“